Giorgio La Pira

La figura di Giorgio La Pira sfugge alle categorie politiche tradizionali. Non fu semplicemente un sindaco, né un diplomatico parallelo, né un idealista ingenuo come talvolta venne rappresentato. La Pira interpretò la politica come una forma di contemplazione storica: leggere la storia con gli occhi dei profeti biblici e intervenire nei conflitti mondiali partendo da una concezione trascendente della persona umana.
Nel testo della mia tesi di laurea in Scienze Politiche proprio sulla figura di Giorgio La Pira,  emerge chiaramente un dato centrale: La Pira non considerava la pace una strategia geopolitica ma una necessità ontologica. La guerra, nella sua visione, nasce sempre da una deformazione antropologica: l’uomo smette di riconoscere nell’altro un fratello e lo trasforma in nemico, funzione, categoria ideologica o ostacolo storico.
La Pira e la “politica della profezia”
Quando La Pira si reca ad Hanoi nel 1965 per incontrare Ho Chi Minh, compie un gesto che agli occhi del realismo politico appariva quasi assurdo. Egli non possedeva eserciti, non guidava governi, non disponeva di strumenti coercitivi. Possedeva però qualcosa che la modernità politica aveva quasi dimenticato: l’autorità morale.
La frase pronunciata dopo il colloquio — “Noi siamo solo una rondine che non fa primavera” — contiene tutta la spiritualità lapiriana. La pace non nasce dalla potenza ma dai segni anticipatori. La rondine non crea la primavera, ma ne annuncia la possibilità.
Dal punto di vista teologico, questa concezione deriva direttamente dalla tradizione biblica profetica. Il profeta non è colui che prevede il futuro; è colui che legge il presente alla luce di Dio e denuncia le strutture di peccato che producono morte.

La guerra come struttura di peccato
La Pira intuì con grande anticipo ciò che verrà poi sviluppato dalla Dottrina Sociale della Chiesa: le guerre moderne non dipendono solo dalla cattiveria individuale ma da sistemi collettivi di dominio.
Nel conflitto vietnamita egli vide: il complesso militare-industriale; la logica dei blocchi; l’equilibrio del terrore; la riduzione dei popoli a pedine geopolitiche; la sostituzione della diplomazia con la deterrenza.
In termini antropologici, la guerra nasce quando la paura diventa principio organizzatore della politica.
La Pira comprese che l’Occidente rischiava di perdere la propria anima cristiana sostituendo il Vangelo con la sicurezza strategica. Per questo criticò l’abbandono delle “nuove frontiere” kennediane: vedeva nella morte della speranza politica il trionfo della paura.

“Forzare l’aurora a nascere”
Una delle espressioni più straordinarie di La Pira è quella pronunciata a Leningrado nel 1970:
“Forzare l’aurora a nascere”.
Questa formula possiede un significato profondamente escatologico. Non indica un’utopia ingenua, ma la responsabilità storica del credente.
Per La Pira: la storia non è chiusa; i conflitti non sono eterni; le civiltà non sono condannate allo scontro; la politica può diventare cooperazione salvifica.
Qui emerge l’influenza del profeta Isaia, amatissimo da La Pira. La celebre visione:
“Forgeranno le loro spade in vomeri”
non è, per lui, poesia religiosa, ma programma politico concreto.
Israele, Palestina e il “triangolo della pace”
Particolarmente profetica appare oggi la sua intuizione sul Medio Oriente.
La Pira comprese prima di molti che la questione israelo-palestinese non poteva essere risolta militarmente. La sua idea del “triangolo”: Israele,Palestina, Stati Arabi, anticipava decenni di diplomazia successiva.
La sua intuizione era anche teologica: Israele e Ismaele non sono soltanto popoli in conflitto ma fratelli biblici separati dalla paura e dalla storia.
In questo senso La Pira tentò una vera “diplomazia di Abramo”, fondata sulla comune radice spirituale delle religioni monoteistiche.
L’obiettivo non era l’uniformità, ma la riconciliazione nella differenza.

L’Europa come “ponte” e non come blocco
La Pira rifiutava l’idea di un’Europa costruita esclusivamente: sul mercato, sulla finanza, sulla deterrenza militare.
L’Europa, per lui, possedeva una missione spirituale: diventare ponte tra civiltà.
Quando parla di abbattere il muro tra NATO e Patto di Varsavia, anticipa idealmente persino il crollo del Muro di Berlino.
Dal punto di vista antropologico, La Pira vedeva i muri come simboli della paura collettiva:
muri ideologici, economici, culturali, religiosi.
Ogni muro nasce sempre da una antropologia della diffidenza.

Cosa farebbe La Pira oggi?
Se La Pira fosse vivo oggi probabilmente:
si recherebbe nei luoghi delle guerre dimenticate;
dialogherebbe contemporaneamente con Oriente e Occidente;
incontrerebbe leader religiosi islamici, ebrei e cristiani;
denuncerebbe il commercio globale delle armi;
criticherebbe la trasformazione dell’economia in idolatria finanziaria;
parlerebbe della tragedia migratoria come questione spirituale prima ancora che politica;
chiederebbe all’Europa di ritrovare la propria anima umanistica e cristiana.
Forse direbbe che il vero problema contemporaneo non è soltanto la guerra armata, ma la desertificazione spirituale dell’uomo occidentale.
Vedrebbe nella solitudine moderna, nell’indifferenza sociale e nella cultura dello scarto nuove forme di violenza invisibile.

L’attualità della “profezia lapiriana”
La Pira appare oggi sorprendentemente attuale perché intuì tre crisi fondamentali del XXI secolo:
la crisi della politica ridotta a tecnica;
la crisi dell’uomo ridotto a consumatore;
la crisi della pace sostituita dall’equilibrio della paura.
La sua risposta non fu ideologica ma spirituale: ricostruire la civiltà partendo dalla dignità trascendente della persona umana.
Per questo la sua figura continua ad esercitare fascino anche fuori dagli ambienti ecclesiali: egli rappresenta la possibilità di una politica non cinica.

Conclusione
Si può dire che alcune intuizioni di La Pira abbiano preparato indirettamente anche processi storici successivi, inclusi i dialoghi che portarono agli accordi israelo-palestinesi del 1993. Non perché egli ne sia stato l’artefice politico diretto, ma perché contribuì a creare una cultura della convergenza e del dialogo quando quasi tutti parlavano soltanto il linguaggio dei blocchi.
La sua eredità più grande rimane forse questa: la pace non nasce quando gli uomini smettono di avere interessi, ma quando riscoprono di avere un destino comune.

“GENTE MATTA” che matta non è, viene spontaneo asserire.

Alle 17 del 14  Maggio 2026, presso l'APS Montesacro di  Roma, in Via Isolabella 7,  Franca Antonelli, Antonella Arduini, Giovanna Bevacqua, Paolo Corazza, Daniela D'Appio, Tiberio D'Ingillo, Simonetta Frasca, Anna Gioia, Luisa Lorusso, Carmela Lupano, Annalisa Putzolu, Delfina Tommasini, Cristina Tosi e Pino Vasta, sono andati in scena con una serie di sketch di autentico avanspettacolo riadattati dall'insegnante del laboratorio teatrale Stefania Papaluca, che ne ha curato anche la regia.

Abituati  al detto che se si va a teatro e non ci si diverte si ha la sensazione di aver perduto tempo, possiamo dire che quello che abbiamo visto è al di sopra di quanto ci aspettavamo. Ci sono attori non profesionisti che si divertono, che invitano amici e parenti a vederli e tutto per pura covivialità, per uno stare insieme in allegria. Visto così lo spettacolo funziona e ci si diverte. D'altra parte, tutto ciò che è amatoriale e culturale non può che far piacere e stimolare interesse  e ci sentiamo di pungolare le autorità cittadine ad  incoraggiare iniziative del genere con le necessarie sovvenzioni per rendere vivo il teatro e il suo divenire.  Nelle varie scenette  vengono fuori le varie personalità degli attori, alcuni dei quali come Anna Gioia, Paolo Corazza, Franca Antonelli e Pino Vasta danno la sensazione di essere meglio impostati. Tutti gli altri sono bravi per la preparazione che hanno ricevuto e per l'entusiasmo che spendono nell'allestire divertimento puro, senza future presunzioni. Tutti, in ogni caso, hanno elargito quel fascino plateale che scaturisce quando ci si accinge a fare cose desuete, comunque professionalmente non quotidiane.

Il teatro è la vita di tutti i giorni e riscoprirci è importante.

Seppure con pochi mezzi, con la validissima collaborazione di Angela Golia (assistente di scena) e di Enzo Peri (luci e musiche), Stefania Papaluca è riuscita ad amalgamare un gruppo che, oltre ad offrire un sorriso agli spettatori, si diverte e partecipa con grande gioia alle iniziative proposte dalla regista. Questo innegabile risultato nasce dal fatto che Stefania, nelle sue lezioni, inserisce, utilizza e trasmette il bagaglio di conoscenze acquisite con il suo straordinario maestro  Enzo Garinei, alla cui memoria dedica questo spettacolo con affetto.

Gli applausi ricevuti sono la riprova di come ci si può entusiasmare e divertire anche senza grossi apparati scenografici, fuori da ogni circuito mediatico.

Si replica Domenica 17 Maggio 2026 stessa ora.    Auguri!

Avanspettacolo allo stato puro!

Ebbene si, GENTE MATTA ma proprio, proprio matta che più non si può!

Però, quanto ci siamo divertiti a seguire le performances degli allievi del laboratorio teatrale tenuto da Stefania Papaluca presso l'APS Montesacro di Via Isolabella 7, a Roma.

Il sipario si apre con “Scene da un matrimonio”. L'attempata Cristina Tosi solleva all'anziano marito  Paolo Corazza una serie di perplessità al momento di una loro possibile dipartita da questo mondo, dando sfogo ad una serie di gustosi battibecchi. Il finale si concretizza con una fascia di lutto al braccio.

Poi è la volta de “Il dentista”. Un piccante equivoco in cui si infila  Pino Vasta (Alfredo) dopo aver incontrato la vecchia amica Daniela D'Appio (Lucia). Dalla agognata casa d'appuntamenti si ritrova in uno studio dentistico dove la dottoressa Giovanna Bevacqua e il marito dottor Paolo Corazza proveranno, con delicata fermezza, a tappargli il buco. 

Si prosegue con “L'aperitivo”. Un noir in cui un'inquietante Antonella Arduini (Antonella), offrendo un drink  all'amica Simonetta Frasca (Simonetta) andata a farle visita, la fà quasi morire di paura.

Come poteva mancare un salto nel passato: “Amore nell'ottocento”.  Tiberio D'Ingillo (Oronzo) e Delfina Tommasini (Geneviève), fra il serio e il faceto,  danno vita ad uno struggente dialogo se sia più nobile accarezzare una mano nuda o l'osso del facchino....

Poi è la volta di “La vedova nera”. Franca Antonelli (La vedova nera), provocante spogliarellista, è maestra d'arte di Luisa Lorusso (la vedova bianca), sconocchiata, sconsolata e in cerca di riscatto sessuale... matrimoniale. 

Quindi eccoci alla “Visita medica”. Pino Vasta (Don Ninì) si cala nelle vesti del siculo geloso, contrariato per la visita medica alla quale si deve sottoporre la moglie Annalisa Putzolu (Rosalia). A farne le spese è Paolo Corazza (il Dottore). Dopo una serie di colpi di scena e balletti inaspettati, poco prima della chiusura del sipario avviene un imprevedibile lieto fine.

Si ricomincia  con “I due tesorini”. Anna Gioia, maggiorata (si vedono poco ma ci sono sulla fiducia) spogliarellista europea decide di assicurare i suoi due cagnolini, accuditi dalla sua governante Daniela D'Appio. Pino Vasta, l'assicuratore che viene chiamato per stipulare la polizza,  data la professione della donna, equivoca fino a quando non gli viene chiesto di...

Ora con “ Santa pupa”, si può dire: Non ci sono santi che tengono! Cristina Tosi (Santa Pupa) non teme confronti! I consigli e suggerimenti che dà alla giovane devota Franca Antonelli sono superlativi. E di sicuro verranno messi in pratica: l'ha detto Santa Pupa!

Ed eccoci a “La purga”. Tiberio D'Ingillo, marito esemplare, dopo varie insistenze della moglie Carmela Lupano si rifiuta di prendere una purga. Una serie di equivoci mettono in condizione Paolo Corazza, impiegato del Gas, di prendere il posto del marito... finirà con l'impiegato in mutande e la sua corsa stile pinguino verso il bagno.

Ancora in scena con “Gianna e Delia”. Una piece comico-drammatica fra due sorelle Delfina Tommasini (Delia), molto malata,  e la sorella Giovanna Bevacqua (Gianna) che, con tutto l'amore fraterno, non crede nella possibile ripresa fisica di Delia fino a farla crollare definitivamente, alquanto soddisfatta di aver avuto ragione.

Infine “La sposa e la cavalla”. Antonella Arduini “Polly”, figlia di Anna Gioia, nobildonna possidente, ha lo stesso nome di una cavalla messa in vendita dalla sua famiglia. Paolo Corazza, un proprietario terriero di Guidonia, è da poco fidanzato con Antonella “Polly”, sua probabile futura sposa, ma è anche l'acquirente della cavalla. Dall'incontro fra Paolo e la madre della ragazza, scaturiscono una serie di fraintesi che portano il pubblico a godersi un finale pieno di... inaspettati rumori!  

Evviva l'avanspettacolo!!!!!        

Complimenti alla regista Stefania Papaluca, a tutti gli attori e ai tecnici!

La stagione 2025-26 del Teatro Arcobaleno si chiude con Il Misantropo, l'opera più amara di Molière, nell'allestimento di Vincenzo Zingaro che ne ha curato adattamento, regia e scene prima di portare in scena Alceste. Una scelta che rivela un metodo maturato in trentadue anni di lavoro sui classici, senza riverenza, con una libertà che trascina il pubblico dentro lo spettacolo senza che se ne accorga.

Un Alceste tra ironia e impeto

Alceste non tollera le ipocrisie sociali, le amicizie di facciata, i complimenti vuoti, e nell'amore reclama la stessa sincerità che esige dal mondo, una pretesa che lo rende ingovernabile lì dove Célimène della stessa urgenza fa seduzione. Zingaro plasma il protagonista con ironia e impeto, due qualità che sulla scena si cercano e si completano, e nei momenti in cui il personaggio toccherebbe il fondo è proprio quell'oscillazione tra il caustico e il passionale a sorreggerlo, a renderlo profondamente umano invece che semplicemente dalla parte della ragione.

La messinscena sceglie la dimensione onirica come chiave di lettura, uno spazio in cui i registri si alternano per dissolvenza e l'immaginario di Alceste si apre fino a svelarne la natura più intima, con la risata che cede al peso esistenziale in un istante.

La Célimène di Annalena Lombardi

Accanto a lui Annalena Lombardi regala a Célimène una sfumatura che Molière raramente le riconosce. Attrice e cantante formata alla scuola di Gigi Proietti, interprete stabile della Compagnia Castalia, Annalena disegna il personaggio attraverso una presenza fisica misurata, lontana da qualsiasi ostentazione. L'abito bordeaux cattura la luce prima di qualsiasi parola, poi la voce scivola dal brillante al velato e il corpo si muove tra seduzione e distanza, fino a restituire una donna che conosce il proprio potere, incapace di farne armatura. Alla fine si ritrova intrappolata in modo più silenzioso di Alceste, consapevole di un destino che sente suo da sempre. Forse è questo il punto più crudele dell'intera storia.

Tra commedia e visione perturbante

Il pubblico ride spesso, e lo fa con quella facilità che si guadagna solo quando il cast riserva al silenzio la stessa cura delle battute. Le scene diurne bagnate di azzurro hanno il ritmo serrato della commedia classica, in un salotto sospeso tra Seicento e contemporaneità dove il divano Liberty e i mobili di legno scuro definiscono l'epoca senza dichiararla. Gli attori, Ribò, Sarpa, De Angelis con gli altri, tengono il palco con una scioltezza che non si improvvisa, battuta dopo battuta, in una precisione che non ammette cedimenti.

Poi arriva il buio, la nebbia, e sul podio appare una colossale effigie meccanica, un simulacro monumentale, un giudice fantoccio avvolto nella toga nera e in una parrucca settecentesca che incornicia un volto deformato, colto nell'atto di calare un martello sproporzionato. Lo affiancano figure incappucciate dai volti di ceramica bianca, presenze silenziose che sembrano appartenere a un incubo senza tempo. La sala trattiene il respiro davanti a questa visione non umana, la più inquietante che la serata avesse in serbo. Le luci di Giovanna Venzi passano dal blu freddo delle scene quotidiane al rosso cupo delle sequenze oniriche, mentre le musiche di Giovanni Zappalorto sostengono la scena, accompagnamento discreto che ne asseconda il respiro.

Il colpo di scena: una libertà pagata a caro prezzo

Si esce dall'Arcobaleno con la sensazione di una sospensione che lo spettacolo non risolve, perché Zingaro e Lombardi costruiscono insieme un nodo che nessuno dei due può sciogliere, quello tra un uomo che persegue la verità senza compromessi e una donna che sa già quanto costi. Zingaro rovescia Molière dall'interno, quando Célimène decide di seguire Alceste nell'esilio, e in quel gesto la Lombardi trova l'istante più autentico dell'intera serata, la prima scelta davvero libera che il personaggio si concede. Alceste ottiene la sincerità che aveva cercato per tutto lo spettacolo, e il prezzo di quella verità appartiene a entrambi in egual misura.

Il Misantropo di Molière ovvero Il sogno di Alceste, Teatro Arcobaleno, Roma (via F. Redi 1/a). In scena fino al 17 maggio, venerdì e sabato ore 21, domenica ore 17.30.