Il tatuaggio non è solo decorazione, ma un disegno eterno su un corpo che descrive come una tela momenti e sentimenti del “pittore”. La differenza nell’arte è che il tatuaggio è parte della persona e lo porta con sé per sempre, il pittore disegna su un quadro ciò che sente ma è visto e venduto da persona a persona.

Diversi anni fa era solo di appannaggio di chi finiva in carcere o viaggiava nel mare e spesso era sinonimo di “male affare”.

Ai tempi d’oggi il tatuaggio è finalmente considerato un’arte che mostra i sentimenti e il talento creativo di ogni professionista

Nella storia, il tatuaggio “black and grey” italiano, è fortemente ispirato dalla cultura del tatuaggio storico americano, che nasce nelle carceri californiane soprattutto a Los Angeles, tra le gang, con macchinette artigianali e inchiostro diluito per le sfumature.

I tatuatori che esercitano il “black and grey” sono tantissimi, ma solo meno della metà vantano una personalità che li distingue dalla massa. Per avere una visione personale oltre alla dedizione bisogna capire come interpretare i giochi tra luce e ombra per creare contrasti e dare forma a quello che si vuole rappresentare; avere una forte ispirazione è importante per chi vuole crescere e sta cercando una sua identità, ma è anche importante fare attenzione a non copiare personalità di altri tatuatori, altrimenti si rischia di diventare una “brutta copia” di essi.

 Il percorso di un tatuatore non è solo saper disegnare, ma anche conoscere la pelle, quindi sapere fin dove arrivare con la profondità dell’ago senza stressare la cute e seguire, con il posizionamento dello stencil (tecnica decorativa), l’anatomia del corpo umano per rendere più lineare il risultato perché ogni tatuaggio deve essere adattato alla parte interessata.

Per meglio spiegare questo mestiere abbiamo visitato un negozio romano situato all’interno del quartiere della Magliana, gestito dalla famiglia Zianna che tramanda da più generazioni l’arte del tatuaggio ed abbiamo approfittato per fare una piccola intervista ad Alessio Zianna, che riportiamo integralmente:

D= Ciao Alessio come è nata la tua passione di tatuatore?

R= Seguivo fin da piccolo le creazioni che mio padre (Marco) scolpiva sui clienti dentro il nostro negozio e crescendo, ho iniziato ad appassionarmi fino a farlo diventare oggi, insieme a mio fratello Daniele un lavoro.

D= Gestire un negozio di tatuaggi oggi è molto diverso rispetto 20/30 anni fa?

R= Sicuramente oggi c’è molta concorrenza rispetto ad allora, ma in famiglia abbiamo regole ferree tra le quali, non basta essere bravi, per noi la sfida principale è rimanere informati ed aggiornati, pianificare una agenda, gestire gli appuntamenti, fornire un servizio adeguato, pulito, igienico ed artistico.

D= Come vedi il futuro di questo lavoro?

R= La vera sfida sarà mantenere la mano artigianale in un mondo che va verso l’automazione, ma la visione umana e l’empatia tra artista e cliente resteranno, per noi, insostituibili.

Fine= Grazie Alessio.

N.d.R.= In un mondo che corre velocemente e dove è tutto digitale e precario, il tatuaggio resta uno degli ultimi gesti definitivi, che trasforma il corpo in un diario vivente.

Forse la vera forza di questo lavoro non è l’inchiostro in sé, ma il legame che si crea tra l’esperienza vissuta dal cliente e l’arte di chi con rispetto, incide quel ricordo sulla pelle.

 Arte e finanza, quando il valore si misura nel tempo

Alle pareti di Azimut, le superfici di Capanna respirano, si stratificano e sedimentano il tempo

Certe serate hanno un peso specifico diverso. Lo senti subito, dalla luce che non concede nulla al superfluo e dai discorsi che smettono di essere eco di convenevoli per farsi pensiero. Davanti alle meta-sculture di Roberto Capanna il rito del vernissage si incrina e la distanza tra chi guarda e l'opera si assottiglia fino quasi a sparire. La superficie sembra trattenere energia, un inganno sensoriale in cui impronte infinite si moltiplicano fino a rivelare, solo avvicinandosi, la profondità della materia. L'arte torna a essere presenza irriducibile, corpo necessario.

Mercoledì 25 febbraio ero lì, alle 18.30, nella sala di Azimut Capital Management in via degli Scialoja 3, in una di quelle occasioni in cui l'arte e chi la cerca si riconoscono. La luce studiata sulle composizioni si incrociava con il riflesso dei cocktail, qualcuno fotografava un'increspatura da vicino, altri si scambiavano impressioni sottovoce, quasi per non disturbare la materia. Le opere di Roberto Capanna emergevano da quell'aria con una forza magnetica che imponeva di avvicinarsi per cogliere un dettaglio e di arretrare per ricomporre l'insieme, come si fa con qualcosa che non si riesce a esaurire e non si vuole smettere di cercare.

Non è disorientamento. È il meccanismo stesso che Capanna ha costruito: un inganno visivo e sensoriale consapevole in cui le pieghe, le increspature e i bagliori cangianti che affiorano da vicino si dissolvono a distanza, e il colore si comporta come una confidenza sussurrata, udibile solo a chi sceglie di sostare.

Capanna viene dalla musica e questo non è un dettaglio biografico da archiviare in fretta. Produttore e fondatore di Cigarette Music, ha trascorso vent'anni a costruire brani per sottrazione, cercando quell'equilibrio irripetibile tra controllo e istinto.

Quando ha portato quella stessa ossessione nella materia, pittura e scultura sono diventate un unico gesto: le chiama meta-sculture, opere in cui legno, calce, gesso, resine, silicone e bitume diventano linguaggio. Una ricerca ossessiva del volume, della sua profondità e del suo peso. I testi nel catalogo lo confermano: "la notte sfugge, le dita sui tasti, note e sogni persistono ma il tempo ci lascia", "sono uscito dall'illusione della perfezione e finalmente mi sono sentito libero". Parole che nascono dalla stessa sorgente delle opere.

Le serie che compongono Monochrome costruiscono un percorso in cui ciascuna opera irradia una vibrazione emotiva propria, difficile da nominare ma immediatamente sentita, capace di attrarre lo sguardo e incuriosire il tatto: tagli che le resine sigillano lasciando visibile la ferita, impronte digitali ingigantite fino a diventare paesaggio, colate di materia sospese tra ordine e caos, rughe del tempo accolte come tracce. Sono creazioni che si offrono lentamente, con la stessa misura con cui sono state realizzate.

Le pareti di Azimut Capital Management sono lo spazio in cui trovano una risonanza particolare: chi lavora un'opera finché non smette di mentire e chi costruisce fiducia finché non smette di vacillare condividono la stessa misura del tempo, e la consonanza non ha bisogno di essere dichiarata.

In un momento storico in cui molte immagini nascono per essere replicate e distribuite senza attrito, le opere di Capanna esistono soltanto nella relazione fisica con chi le osserva, irriproducibili perché generate da un gesto situato in un tempo circoscritto. È il modo in cui lavora, sottraendo fino a lasciare solo ciò che è essenziale, proprio come accade in una composizione quando ogni nota trova il posto che le appartiene.

Quando lascio la sala, intorno alle nove, non porto con me il ricordo di un evento ma la consistenza fisica di quanto la serata ha depositato. Il valore di certe esperienze emerge dalla durata, dalla capacità di tornare a cercarle, da quello che si incide negli occhi e non se ne va, come una nota che continua a vibrare anche quando le dita hanno ormai lasciato i tasti.

Roberto Capanna — Monochrome, Private Vision Azimut Capital Management, via degli Scialoja 3, Roma — 25 febbraio 2026 A cura di Ad'Art | This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it. | This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.

Vien voglia di chiedersi se c’è ancora da dire e scrivere di William Shakespeare. Ebbene, dopo aver visto Hamnet, senza esitazione alcuna, dichiaro: SI. Gli inglesi lo ritengono il loro più rappresentativo poeta talchè lo dicono il “Bardo dell’Avon” (bardo: poeta che esalta le aspirazioni o le tradizioni del proprio popolo o della stirpe, sia dal punto di vista politico che religioso) o il "Cigno dell'Avon". Ci ha lasciato ben 38 testi teatrali, 154 sonetti, 3 poemi e tutta una serie di opere in versi. Le opere teatrali sono state tradotte in tutte le maggiori lingue del mondo e sono state inscenate più spesso di qualsiasi altra opera; è lo scrittore maggiormente citato nella storia della letteratura inglese, molte delle sue espressioni linguistiche sono entrate nel lessico inglese quotidiano. Di Lui oggi ci sta parlando Chloé Zhao, pseudonimo di Zhao Ting, (Pechino, 31 marzo 1982), regista, sceneggiatrice, produttrice cinematografica e montatrice cinese naturalizzata statunitense e anche migliore regista, anzi la seconda donna a trionfare in questa categoria. Occhio femminile orientale, ma con sguardo direi planetario, sa presentarci uno Shakespeare fresco d’aria boschiva, tenero eppure crepitante come le foglie che tappezzano la scena del suo innamoramento, allorchè Agnes lo colpirà esattamente e contemporaneamente dentro il cuore e dentro la parte più preziosa dei suoi pensieri.

Galoppare una vita sullo schermo gigante del cinema è ben altro che leggere una biografia, occorre una speciale abilità, vieppiù se la storia è mutuata da un romanzo. Le vibrazioni della sala, sod out, hanno perforato il soffitto della stessa, tanto era potente la loro frequenza energetica, tali erano le emozioni e la somma delle emozioni, tale era il silenzio, talmente denso e compatto da poterlo quasi toccare, saturava l’aria fino a farmi tossire poiché l’ossigeno è stato soppiantato letteralmente dall’atmosfera che la donna-fata-maga Zhao ha composto con magistralità rasente il soprannaturale. Jessie Buckely è perfetta nel personaggio agreste e selvatico di Agnes, perfetto il volto sprigionante il fascino antico proprio delle donne herbarie, figure centrali nelle comunità antiche; sorta di farmaciste e medichesse maestre nella conoscenza e nell’uso terapeutico di piante ed erbe.

Agnes cura tutti e se stessa, è finanche la “mammana” di se stessa e del suo primo parto. Magistrale la scena di lei che -accovacciata nella radura dell’amato bosco -casa assoluta- urlerà l’arrivo della nuova vita aggrappata alle solide radici dei millenari fraterni alberi. Quell’ urlo di dolore fisico che saprà essere canto maternale. Dentro quel canto e dentro la foresta, abbracciata dalla nuda-materna terra, aspetterà il suo amore, William, l’amore della sua vita, di tutta la sua vita. Lo aspetterà stringendo fra le braccia e mangiando con lo sguardo il loro primo frutto. Con ancora la sostanza del suo grembo, unta di quella sostanza, così, porgerà la bimba a William, Lui con infinita tenerezza la prenderà e si colmerà d’estasi, l’estasi che ha bucato lo schermo ed è arrivata dritta al cuore degli spettatori. Ho pianto! Il mondo ha bisogno di questo film. Abbiamo bisogno di storie d’amore, soprattutto di amori eterni tessuti di fatica, determinazione, volontà e tenerezza. Tenerezza finanche dentro un addio, l’addio più feroce che ci sia, la morte di un figlio, che, in questo caso, è anche l’unico figlio maschio: Hamnet. E ancora, Agnes che cura tutti e se stessa è colei che cura amorevolmente il suo William…sempre, anche quando lo strazio della penna che non sa scrivere il ciclopico tormento che s’aggruma e fatica a fluidificarsi nell’inchiostro uscirà con l’urlo del disagio dolorosissimo, quel disagio che è anelito, opportunità despota e insopprimibile che lo chiama a Londra. Anche allora Agnes continuerà e continuerà a curare tutto e tutti e, mentre Lui galoppa la vita dentro il mondo della drammaturgia e del teatro, Lui che sempre ritorna a lei…lei, segnata talvolta più acutamente dalla sua assenza, manifesterà il bisogno della presenza e la durezza della sua assenza. Sarà lungo il cammino dentro il tempo e perfino dentro lo strazio della peste, aspro il cammino dentro l’incomprensibile perdita di Hamnet, dopo questi estenuanti cammini Agnes deciderà di raggiungerlo.

E sarà allora che vedrà la piccola, piccolissima scarna stanza in cui William vive e genera le sue opere, a fronte della casa grande, la più grande della cittadina, che lui ha acquistato per la famiglia; allora e lì, in parte, comprenderà poichè tutta la comprensione arriverà allorchè, spettatrice dell’opera Hamlet, a teatro, tra la folla perduta nell’estasi totalizzante della tragedia, con tanti occhi in lacrime attorno a lei, lì nell’assistere alla teatrale letteraria resurrezione di Hamnet incarnato nello splendido Amlet rivelatore e pacificatore, lì e allora vivrà il miracolo della riconnessione piena con William…e sarà profonda e irrimediabilmente indissolubile…dopo di che: tutto il resto sarà silenzio.  Se l’intuizione e la creatività di Maggie O’Farrell sono state intriganti e accattivanti, se nel romanzo è riuscita a dosare bene: amore e abbandono, perdita e riconciliazione e incunearvi finanche la pulce imbarcatasi ad Alessandria d’ Egitto e arrivata a diffondere la peste a Venezia e in tutta Europa, la magìa di una regista dagli occhi e dalle mani magiche, quelli di Chloé Zhao, hanno fatto il capolavoro che dal 5 febbraio è nelle sale cinematografiche.

L’intero cast più che sembrare, è rivestito dell’alone sacrale, a tratti misterico e mistico del film. I parti di Agnes sono metafore di parti di Madre Natura. Altrettanto simbolico e potente è il parto teatrale di William che sa restituire -pur nella finzione scenica- la profondità della vita, della morte e dell’amore che ci dimostra come possa essere assoluto e perenne; anzi, con l’azione scenica il parto di Wialliam fa di più: si fa salvifico e risana le ferite dell’amore, della morte-perdita e le fratture della connessione. Hamnet-Hamlet si fa medicina efficace tale quali le medicine che Agnes-erbaria sa preparare.  Golden Globe come miglior film drammatico di una regista, la Zhao, già Premio Oscar. Maggie O’Farrell è una Agnes che resterà nella storia del cinema, magnifico anche Paul Mescal nel ruolo di William Shakespeare, sorprendente il giovane Jacobi Jupe nel ruolo del piccolo Hamnet Shakespeare, Joe Alwyn nel ruolo di Bartholomew, ed Emily Watson in Mary Shakespeare, David Wilmot nei panni di John Shakespeare  padre del poeta,  Jack Shalloo in Marcellus, Olivia Lynes in Judith Shakespeare, Justine Mitchell in Joan Hathaway, Bodhi Rae Breathnech in Susanna Shakespeare, Freya Hannan-Mills in Elisa Shakespeare, Noah Jupe nel ruolo di attore di teatro e Shaun Mason l’altro attore di teatro. Mi piace ricordare, e lo stigmatizzo, che Alessia Amendola ha dato la voce ad Agnes e Manuel Meli a William.

Milena Petrarca è una nota pittrice  ma nello stesso tempo, poetessa, letterata, disegnatrice di murales e restauratrice. Nata a Pozzuoli (Napoli), ormai da anni vive e lavora Latina ed ha tre figli. Fin da piccola ha convissuto nel suo ambito familiare, circondata dall’arte più vera: quella dei quadri, della musica e del canto. Sua madre la poetessa e Prof.ssa Maria Panetty Petrarca era una grande scrittrice di Opere teatrali, drammaturgo e autrice di canzoni napoletane. Il padre era  invece un ingegnere capo del Comune di Pozzuoli e dell’Olivetti.  Milena Petrarca studiò all’istituto d’Arte Filippo Palizzi a Piazza del Plebiscito di Napoli, dove conseguì il titolo di maestra d’Arte. Milena negli anni sviluppò la sua arte e la sua cultura  con il contributo di insegnanti straordinari come il grande scultore Lelio Gelli e agli imput che riceveva da casa, da suo zio Tommaso Panetty, pittore (che oltre che grande scienziato, era anche un  inventore) e sua sorella Elena Petrarca. Con gli anni  Milena affinò la sua tecnica, a Pozzuoli  espose i suoi primi quadri  e all’età di quindici anni, partecipò ad un concorso con i grandi pittori della zona, dove vinse il primo premio.

Attualmente Milena è Presidente provinciale dell’Associazione Internazionale Magna Grecia che promuove la cultura del Mezzogiorno con un Premio internazionale che ogni anno è assegnato a personalità del mondo della cultura e dell’arte. L’associazione di Latina ha  continui scambi con le rassegne artistiche internazionali, pertanto Milena Petrarca anni fa si recò ad esporre con più di cento quadri nella sede di New York  (in occasione del  cinquecentenario di Cristoforo Colombo). Nella” Grande Mela” dove in quell’evento internazionale, c’erano tutti i più grandi pittori degli Stati Uniti  e di tutto il mondo, Milena Petrarca riuscì  ad  ottenere il prestigioso riconoscimento dal governo di New York:” Artistic  Achivement Award Gallery”.  Grazie a questo premio, venne inserita dal grande critico Mario Fratti tra i più importanti artisti del gruppo “Realismo Magico”. Le sue opere si trovano in numerosi musei italiani ed americani e nelle collezioni più prestigiose, americane, francesi, inglesi e cinesi.

Milena Petrarca negli anni ha partecipato ad innumerevoli manifestazioni e vinto tanti premi che resta difficile elencarli tutti: uno dei più importanti è quello conseguito nell’Artistic Tower Gallery.

La bravissima artista italiana ed internazionale l‘abbiamo recentemente incontrata per conoscerla più da vicino: buongiorno Milena, potresti tracciare una sintesi della tua vita?

Sono nata a Pozzuoli, nei pressi della solfatara a Via Pergolesi ed è proprio per questo che ho un carattere  particolare, direi vulcanico, la mia è un’esplosione di vita. Adoro la pittura e fin da piccola  già a  a sette anni con gli acquerelli dipingevo il tempio di Serapide e il Tempio di Apollo con l’aiuto di mio zio. Lui aveva cresciuto mia madre insieme a zia Bettina che è stata la fidanzata del grande tenore Enrico Caruso. Gli esempi sono importanti ed io posso dire di averne avuti diversi in famiglia. Oltre ad essere la modella di mia sorella, anche lei pittrice, da piccola ero brava anche come  ballerina e manifestavo in ogni circostanza  le mie passioni culturali.

Come si può considerare il tuo stile artistico?

Milena Petrarca

Il mio è un realismo magico, che va al di là della fotografia ed è una tecnica complessa, compendiata, che non si effettua solo con l’olio, ma utilizzo il pennello e le colle e le terre. Occorre avere una buona mano, perché poi non si può correggere. Tanti sono i quadri che ho dipinto negli anni, ho iniziato con le nature morte ed ho preso lo spunto dalla tecnica del settecento. I miei ispiratori sono stati  prima di tutto, l’ingegnoso Leonardo Da Vinci e poi la grande pittrice del settecento, Rosalba Carriera. Anche quando scrivo poesie mi ispiro alle mie esposizioni, la prosa alla quale tengo particolarmente si chiama Nausicaa, una figura mitologica, che vinse anche il primo premio della critica, per la poesia dipinta.

Quali sono i tuoi dipinti ai quali sei più affezionata?

Tutti i miei quadri li ritengo figli miei, quindi non saprei dire quelli ai quali sono più affezionata, ma l’ultimo lo considero sempre il più bello. Tra i tanti ci tengo a ricordare quelli che rappresentano alcune località della zona Pontina, oltre alle raffigurazioni di celebrità quali Nureyev, la Callas, Marylin Monroe, Margot Fontaine e Sofia Loren. Io riesco ad interpretare la figura della donna in un modo diverso e lascio nel dipinto un soffio dell’anima.

Si nota che hai un affetto particolare per la mitica attrice Sofia Loren.

 La figura della grande attrice Sofia Loren entra sovente nei mei quadri, in quanto la conobbi da giovane perché frequentava casa nostra, dal momento che era  allieva di mia mamma che l’educò nei suoi primi passi al teatro. Di seguito la fece partecipare al primo concorso, “la bella Flegrea” a Pozzuoli, dove vinse il primo premio. Mi ha sempre colpito di Sofia la sua perseveranza e la sua genuinità.

Milena qual è il tuo prossimo e grande progetto che hai nel cassetto al quale tieni particolarmente?

Ne ho diversi. Vorrei realizzare un docufilm su mia zia Bettina dove si narra il suo grande amore giovanile per il grande tenore Enrico Caruso. A tale proposito questa figura la dovrebbe interpretare Sabrina Fardello, la mia amica soprano, che le assomiglia particolarmente. Inoltre intendo creare al più presto la fondazione “Griffo Petrarca”, in una casa museo internazionale sopra il mio appartamento a Latina, all’interno di un terrazzo di 400 mq e questa capienza è necessaria per riuscire ad inserire tutte le mie opere. Inoltre intendo creare un museo analogo nella mia casa di Pozzuoli. L’ultima mia comunicazione è quella che  entro un mese sarà ultimato il libro su Frida Khalo, con i miei dipinti e le poesie ispirate a lei.

Grazie infinite Prof. ssa Milena Petrarca.